MAC VAL

Le duo Brognon-Rollin, Prix Marcel Duchamp 2026

Julie — 2026-10-23T12:43:24Z

Le MAC VAL souhaite se joindre aux hommages et félicitations rendus à David Brognon et Stéphanie Rollin, artistes de la collection !

Le duo Brognon-Rollin, Prix Marcel Duchamp 2026

En effet, le musée, fidèle au duo, a proposé en 2020-2021, la première exposition monographique muséale du duo d'artistes formé de David Brognon et Stéphanie Rollin, réunissant œuvres existantes et nouvelles productions.

Aujourd'hui encore, dans l'exposition « Le genre idéal », venez retrouver une de leurs pièces de la collection du MAC VAL.

Brognon Rollin, Don't Worry at Dusk, I'm Late, 2015

Caisson lumineux avec 52 nuances de bleu, 12 chaises en Formica et acier, papier teinté bleu, dimensions de l'ensemble : 293 × 663 × 438 cm Collection MAC VAL - Musée d'art contemporain du Val-de-Marne Acquis avec la participation du FRAM Île-de-France

Photo © Aurélien Mole

Dans leur œuvre, se développent des interrogations simples et néanmoins vertigineuses : le réel existe-t-il en dehors de ses représentations ? Ou comment donner forme à l'expérience de la durée ?

Les projets de Brognon Rollin condensent des narrations enchevêtrées qui s'inscrivent dans l'histoire de l'art minimal et conceptuel. Combinant symboliques, faits, objets, anecdotes, a priori disjoints et parfois rocambolesques, les œuvres sont fortement polysémiques, supports à dérouler des lignes de fuite empreintes de mélancolie et de poésie. Ce que l'on voit n'est que la partie émergée de l'iceberg. Entre Philip K. Dick, Stefan Zweig et Jorge Luis Borges, David Brognon et Stéphanie Rollin explorent les interstices du temps. Les œuvres de l'exposition se donnent à expérimenter comme autant de failles spatiotemporelles et au final engagent une méditation sur la disparition programmée de toute chose.

Redécouvrir l'exposition « L'avant-dernière version de la réalité » présentée au MAC VAL en 2021.

Expositions

« L'avant-dernière version de la réalité »

Du 7 mars 2020 au 31 janvier 2021
Le MAC VAL propose la première exposition monographique muséale du duo d'artistes Brognon Rollin, réunissant œuvres existantes et nouvelles productions. Derrière ce titre, emprunté à Borges, se développe une interrogation simple et néanmoins vertigineuse : Le réel existe-t-il en dehors ses représentations ? Qu'en est-il du temps et de sa perception ? De sa relativité ? De sa dimension spatiale ? Comment donner forme à l'expérience de la durée ? De l'attente ? Du suspendu ? De l'équilibre ?

Hommage à Bernard Pagès

GGC — 2026-10-20T16:33:05Z

Le MAC VAL souhaite rendre hommage à Bernard Pagès (1940-2026), figure forte de la peinture et de la sculpture contemporaine. La collection du MAC VAL conserve 10 de ses œuvres.

Pour Bernard Pagès, par Nicolas Surlapierre, directeur du MAC VAL.

J'ai toujours aimé le travail de Bernard Pagès que j'associais pour moi à des plateaux plus ou moins hauts, ceux de son Quercy natal et de la ferme familiale « La tuilerie haute » dont le nom pourrait être celui donné à une de ses sculptures. Bruno Duborgel écrivait à son propos d'une façon si juste que Bernard Pagès pratiquait la sculpture comme on aurait fait son pain ou fabriqué des savons. Cette vision était presque pastorale encore que pas du tout sentimentale ni Pagnol ni Guerre des boutons car dans l'économie du suffisant, enfant ou adolescent, il aurait pu passer une vie ou presque à redresser des clous rouillés et à réparer des clôtures.
Certaines et certains le disent sculpteur, ce n'est pas suffisant de voir ainsi les choses. Cela est juste historiquement, il négociait un étrange mariage entre les Nouveaux réalistes et Supports – Surfaces. Je repense alors à la présentation que nous fîmes dans L'œil vérité d'une de ses œuvres majeures que nous conservons la série « des assemblages jumelés ». Je sais que je ne devrai pas dire cela mais à chaque fois que je croisais l'œuvre en salle, j'avais l'impression que des animaux y paissaient. C'est à ce moment que je me suis mis à penser sérieusement à Bernard Pagès le transhumant, celui que je préfère, je veux dire que j'ai compris la portée d'une métaphore qui serait celle de la transhumance des formes d'une technique à l'autre, d'un support à l'autre. Cette métaphore en forme « des hauts quartiers de peine » n'est pas seulement dictée par la juste émotion que l'annonce de la disparition de l'artiste a pu susciter. Il fallait un certain courage pour s'installer à Coaraze en 1965, devenue célèbre depuis lors des rencontres du même nom et de la première exposition du groupe Supports - Surfaces en 1970. Le fait que Bernard Pagès quitte le groupe en 1971 ne change pas grand-chose à l'histoire d'une participation théorique et pratique aux débats qui animèrent les artistes du mouvement. C'est d'ailleurs dans ce village que Bernard Pagès abandonna la peinture en réalisant une « colonne penchée », ce n'est d'ailleurs pas la colonne qui penche mais la sculpture toute entière.

C'est étonnant mais l'historiographie de Supports – Surfaces a surtout retenu la déconstruction du tableau et de la peinture, moins finalement celle de la sculpture alors qu'elle est tout aussi prégnante. Les artistes étaient redevenus des chasseurs-cueilleurs lorsqu'ils n'étaient pas tout simplement des éleveurs. Or dans les discussions théoriques, c'est bien la deuxième dimension qui était visée parce qu'elle était un outil. Voir en 2 d n'était pas l'apanage des peintres, ce serait tout simplement une position de confort ou confortable de penser. _ Assez étrangement la déconstruction du volume était encore plus patente que celle de la peinture, personne n'y était moins préparé pour fouiller dans les gravats. Bernard Pagès avait une façon très singulière de classer la destruction des constructions : les ruines de fermes, ou les carcasse de granges, cette métallerie lyrique qui finit toujours à l'abandon à l'aplomb d'un mur ou à l'angle d'une sorte de hangar devenu carcasse comme un tracteur hors d'usage. Et lorsque cette Arcadie rongée du même mal que les autres terres en vue n'était pas directement évoquée alors Bernard Pagès s'en prenait à la mer qui longeait une riviera en toc. La mer qui rompt les brise-lames et les digues à l'endroit où des fers à béton se tordent en tous sens et deviennent les « arêtes ». Ses colonnes sans fin ou ses assemblages acceptaient de se découper sur fond de mer comme de gros flotteurs ou les leurres en forme d'hameçon. Des limites et des clôtures, il ne reste plus qu'un môle à la forme particulière et coudée de l'absence.

A cette occasion, l'estampe Mains et grillages a été exposée et le Centre de documentation du MAC VAL propose sur son site une sélection d'ouvrage de l'artiste.

« Du livre objet à l'objet livre »

GGC — 2026-10-20T09:35:34Z

Du 17 octobre au 15 novembre
Maison des Arts et de la Culture - Villa Médicis, à Saint-Maur-des-Fossés

Dans le cadre de l'édition 2026 du festival littéraire Lire dans la Boucle, la Maison des Arts et de la Culture – Villa Médicis présente l'exposition « Le livre objet, l'objet livre », qui met en lumière la diversité des formes que peut prendre le livre dans la création contemporaine. À cette occasion, la Ville de Saint-Maur-des-Fossés a invité le MAC VAL – Musée d'art contemporain du Val-de-Marne à exposer son fonds de livres d'artistes.

Avec près de 800 ouvrages, le centre de documentation du MAC VAL, conserve un fonds rare et inédit qui témoigne de la diversité des formes que peut prendre le livre dans la création contemporaine. Objet de lecture mais aussi objet plastique, le livre d'artiste brouille les frontières entre littérature, image et arts visuels : papier, format, reliure, typographie, photographie, dessin ou découpe peuvent devenir autant d'éléments constitutifs de l'œuvre.

À travers cette sélection, le MAC VAL propose une autre manière d'aborder l'art contemporain, plus intime, plus accessible, plus proche du quotidien, où le livre permet de découvrir une œuvre en prenant le temps de la regarder, de la parcourir, et parfois même de la manipuler.

Inspirée par l'artiste invitée Gaby Bazin, qui nous rappelle qu'« Ecrire, c'est dessiner », l'exposition explore ainsi le lien qui unit écriture et dessin. Ses différentes sections thématiques donnent à découvrir des œuvres d'artistes contemporains majeurs, dans lesquelles texte et image se répondent, s'imbriquent ou se confondent. Nos signes graphiques signifiants — chiffres, lettres, mots — perdent parfois leur fonction pour devenir de pures illustrations.

Le parcours invite ainsi à un voyage entre mots et images.

Informations pratiques :
Du mardi au dimanche
14h-18h, entrée libre

Maison des Arts et de la Culture - Villa Médicis
5 rue Saint-Hilaire
94100 Saint-Maur-des-Fossés

Exposition à venir : « 5 Mo », Morellet, Monvert, Monory, Moninot, Molnár

GGC — 2026-10-19T09:05:26Z

Partenaires

GGC — 2026-10-19T09:00:48Z

Affiche

GGC — 2026-10-19T07:31:04Z

Artistes

GGC — 2026-10-19T07:25:00Z

Vera Molnár, née le 5 janvier 1924 à Budapest et morte le 7 décembre 2023 à Paris, est une artiste plasticienne française d'origine hongroise.
Proche de l'abstraction géométrique, elle est considérée comme précurseur de l'art numérique et de l'art algorithmique. Dans sa carrière artistique, elle utilise une grande diversité de matériaux et de supports, elle dessine, colle, peint, conçoit des sculptures, programme, photographie, réalise des installations, des estampes et des livres d'artiste.
Sa pratique picturale peut être assimilée au courant de l'abstraction géométrique, qui se développe en Europe au cours des années 1950. Sa peinture est marquée par un vocabulaire élémentaire constitué par la ligne, le cercle, le carré ou encore le méandre et se base sur l'utilisation de séries, permutations ou rotations de lignes et formes géométriques simples. Elle déclare être particulièrement intéressée par le carré, le rectangle et la ligne.

Bernard Moninot est un plasticien français né le 15 mai 1949 au Fay (Saône-et-Loire, Bourgogne-Franche-Comté), professeur à l'École des beaux-arts de Nantes en 1994 et actuellement professeur à l'École nationale supérieure des beaux-arts de Paris. Dans ses œuvres, il met en concurrence l'espace réel et l'espace fictif de la représentation. Au début des années 1980, il utilise le verre comme support, en fixant sur l'envers, noir de fumée, pigments variés, limaille de fer, silice ou poudre de graphite pour évoquer des éléments d'architecture, les ombres d'étranges outils de mesure ou de fragiles constructions métalliques. Puis, il réalise la série des Ombres portées, techniquement très différentes : des formes en métal émaillé projettent leurs ombres sur le mur, évoquant des claustras ou des moucharabieh filtrant la lumière du soleil de leurs découpes complexes.

Jacques Monory naît le 25 juin 1924 à Paris et y meurt le 17 octobre 2018.
Il est l'un des principaux représentants du mouvement de la figuration narrative qui, au milieu des années 1960, s'est opposé à la peinture abstraite. Préoccupé par la violence de la réalité quotidienne, les tableaux de Monory suggèrent des atmosphères lourdes et menaçantes à travers des séries et des images qu'il utilise, directement issues de la société contemporaine. Des emprunts photographiques et cinématographiques, le recours à la monochromie, la froideur de la touche et de la composition caractérisent un style singulier et engagé dans la représentation, et baignent souvent dans un camaïeu de bleu. De 1968 à 1988, Jacques Monory réalise plusieurs films.

Charles-Henri Monvert est né en 1948 à Neuilly-sur-Seine (Hauts-de-Seine) et mort à Paris en 2018.
La peinture de Charles-Henri Monvert repose sur le développement, à partir d'une grille initiale, d'une combinaison structurelle de variations infinies. Son œuvre s'élabore selon un procédé de tressage, de chevauchements, qui fait entrer en interférence plusieurs plans et strates temporels superposés. Ici logique et intuition se rejoignent ; chaque œuvre porte en elle la marque du devenir et de l'aléatoire.

François Morellet, né le 30 avril 1926 à Cholet (Maine-et-Loire) et mort le 11 mai 2016 dans cette même ville, est un peintre, graveur et sculpteur français.
Il est considéré comme l'un des acteurs majeurs de l'abstraction géométrique de la seconde moitié du XX^e siècle et un précurseur du minimalisme. Il est également industriel de 1948 à 1975. Pour Morellet, l'œuvre d'art ne renvoie qu'à elle-même. Son titre, généralement sophistiqué indique la règle du jeu qui a présidé à son élaboration.
Il entend contrôler le processus de création et démystifier la mythologie romantique de l'art et de l'artiste, en justifiant chacun de ses choix par un principe établi au préalable, qui peut d'ailleurs aller jusqu'à faire intervenir le hasard dans certaines composantes de l'œuvre. Ainsi, il multiplie les références mathématiques dans son travail, dont certains titres expriment l'idée que ses œuvres sont construites sur la base d'équations et de systèmes numériques généralement complètement inventés.

Présentation

GGC — 2026-10-19T07:20:21Z

Il est rare que lors de visites d'atelier, de galeries ou d'expositions que le nom de François Morellet ne soit pas prononcé. La référence, ainsi revendiquée par des artistes rencontrés n'avait pas forcément de lien avec l'art construit ou le cinétisme. Nombre d'artistes figuratifs, de vidéastes, de photographes, de performeuses et performers reconnaissaient que Morellet défendait un pan de l'art sinon avec désinvolture au moins avec un sens de l'humour et surtout un état d'esprit fait d'irrévérence et de précision qui ne laissait personne indifférent. Le premier réflexe fut de rechercher des équivalents ou échos plastiques à ces relations dans les œuvres conservées au MAC VAL. La descendance était si riche et les liens si nombreux que l'artiste même se trouvait perdu au milieu d'une science des relations pas assez affinée laquelle ne produisait en fin de compte plus rien de bien convaincant. C'était juste et trop large à la fois. Il manquait peut-être la drôlerie et l'impertinence lorsqu'elles procèdent du hasard et de la rencontre. L'autre écueil (à moins qu'il ne s'agisse d'une hantise) pour toute curatrice ou curateur, c'est le réchauffé. J'utilise à dessein un terme que François Morellet aurait bien aimé. Or, il y a un peu plus de vingt ans, j'avais été commissaire d'une exposition au Musée départemental Henri Matisse du Cateau-Cambrésis « Quelques systèmes en hommage à Herbin ». Ce n'était pas une rétrospective à proprement parler mais cela y ressemblait. Face à ce constat qui aurait pu finir en crise d'inspiration, je me suis rappelé une discussion que j'avais eue avec l'artiste tandis que nous préparions son exposition consacrée en hommage à Auguste Herbin. Comme un héritier de l'Oulipo, ou du lettrisme, François Morellet aimait les jeux de mots à commencer par les palindromes et aussi les règles du jeu qui impliquaient une contrainte ou de faire appel au hasard et peut-être même à une forme d'arbitraire comme l'ordre alphabétique ou numérique. On s'en souvient, l'artiste s'était passionné pour le caractère aléatoire et les énigmes mathématiques, le carré magique comptait parmi les mystères formels et symboliques à l'œuvre dans de nombreuses compositions. En marge du montage de « Quelques systèmes en hommage à Herbin », François Morellet me raconta qu'un jour, il avait reçu une lettre pour le congratuler pour une exposition dans laquelle il ne figurait pas. Il s'agissait tout simplement d'un homonyme. Ce qui le ravit au plus haut point c'est que le hasard avait bien fait les choses. En effet, cet artiste était un peintre figuratif aux antipodes de sa production artistique. Immédiatement il avait imaginé une exposition réunissant tous les artistes s'appelant comme lui. Je n'ai jamais pris le temps de vérifier l'anecdote car je préfère la penser vraie. _ Elle avait des airs de parenté dans son raisonnement avec le jeu de mots sur son nom qu'il avait proposé pour l'affiche qu'il avait imaginée de la Eat-Art Galerie de Düsseldorf en 1971 et qu'il avait simplement nommé Mords-les. De même qu'il disait, peut-être pas sérieusement cette fois, qu'il aurait dû être exposé avec Malcolm Morley. Nous eûmes alors une discussion sur l'arbitraire et la drôlerie du classement alphabétique. Il aimait les listes de certains catalogues de collection et de la même manière que le concept du livre voisin cher à Aby Warburg au gré de la poésie arbitraire « des lois du bon voisinage » des noms qui se suivaient dans une liste alphabétique étaient peut-être unis d'un lien secret entre eux, en tous les cas ils nous obligeaient à imaginer des liens, des échos entre eux. François Morellet affectionnait les annuaires et regardait entre qui et qui il pouvait bien se retrouver, et, souvent s'il n'avait trouvé aucun homonyme, il s'amusait de se situer entre tel ou tel. Il prisait, dans l'ordre alphabétique, la notion d'interférences si opérante dans son œuvre et finalement la force d'une décision qui, pour objective, était en réalité arbitraire, pur jeu sur les mots et spéculation entre abscisse et ordonnée, d'une bataille navale pensée à partir d'un annuaire téléphonique.

Nous avons donc, en souvenir de François Morellet et de son esprit, appliqué la règle du bottin voisin plus ludique que mondain. Il existe plusieurs artistes conservés au musée dont les deux premières lettres sont Mo. Le hasard était vraiment délicat et encourageant avec le projet, en effet quoi de plus naturel que de rapprocher François Morellet de Vera Molnár. Les artistes étaient des familiers, unis par des liens d'une très profonde amitié. Les préoccupations formelles et sémantiques de Vera Molnár sur la lettre M allaient dans le sens de l'ordre alphabétique et de certaines réflexions entre lettre, typographie et art construit prônées par François Morellet. C'est dans cet esprit et par cet esprit que Vera Molnár avait imaginé la série des Molndrian puis qu'elle avait évoqué ce qu'elle nomme « sa rencontre avec la lettre M ». « Ce M ne venait pas vraiment de Malevitch, de Molnár, de Morellet ou de Michel-Ange mais il était presque carré, et correspondait à mon désir de sortir des carcans, des partis, des écoles, des obédiences, et son indécidabilité formelle me convenait parfaitement, il était ni ni. » (Entretien de Vera Molnár avec Amely Deiss et Vincent Baby, 2012). C'est pourquoi, dans cette proposition empirique et onomastique, le livre d'artiste de Vera Molnár intitulé M (2007) qui décline les possibilités formelles associées au nom d'un artiste de la Renaissance à nos jours ayant compté dans sa formation confirma une piste qui aurait pu paraître farfelue. Ce panthéon alphabétique et chronologique raconte une histoire, celle d'un carré qui a perdu une partie de sa forme qu'il retrouve selon les modulations de ses différentes sources d'inspiration. Bernard Moninot s'inscrivait également dans cette logique ou dans une des nouvelles manifestations des logiques permutatives associées. Lors d'un entretien téléphonique en août 2026, Bernard Moninot s'amusait beaucoup de cette confrontation. Il avait bien connu François Morellet, il aimait en lui la possibilité de ne jamais se limiter à la forme géométrique, à la pousser dans des retranchements poétiques et sémantiques. Cependant ce qui le rapprochait le plus de l'artiste c'est leur intérêt commun pour l'immatérialité, encore que cet aspect fût discrètement abordé par François Morellet. Il pensait assurément à l'inframince de Marcel Duchamp et avait participé à introduire dans le registre de l'art construit l'idée selon laquelle les formes géométriques à la disposition des artistes étaient fondamentalement des ready-made et leurs variations des déclinaisons de joueur d'échecs. Quant à Charles-Henri Monvert, il s'était nourri de François Morellet et au-delà de son inspiration lui avait demandé conseil, il l'avait approché avec la déférence un peu désuète d'un élève à son maître. Il aimait particulièrement la période du G.R.A.V (Groupe de Recherche d'Art Visuel 1960-1968) dont François Morellet était autant un membre fondateur qu'un turbulent thuriféraire. La question que Charles-Henri Monvert se posait était simple : comment continuer à aller chercher le spectateur avec ces jeux chromatiques et rétiniens ? L'artiste avait également une approche sinon sémantique au moins de grammairien ou de linguiste lorsqu'il explorait l'équivalent visuel des accents toniques ou la différence entre les grilles et les trames. Comment contemporanéiser l'héritage (la célèbre exposition de 1965 au MoMA) et la fonction du « responsive eye » ?

De la réunion de ces différents Mo (lire mégaoctet), entre Morellet, Monvert, Monory, Moninot et Molnár, une petite constellation abstraite avait retrouvé la logique de l'histoire des mouvements, remettant toutefois en cause le trop grand sérieux et le caractère parfois un peu doctrinal de l'abstraction qui aurait joué de son apparente encore que fallacieuse impartialité. Les cinq artistes pouvaient tous représenter les manifestations de ce que François Morellet appelait, dans un texte de 1981 repris en volume par la suite, « la géométrie iconoclaste » et la « géométrie accidentée ». Le hasard de l'ordre alphabétique avait été incroyablement juste (et même un peu trop) s'il ne nous avait pas obligé afin de respecter la règle du jeu d'intégrer le plus étrange et peut-être le plus stimulant de cette énigme à résoudre : la confrontation entre Jacques Monory et François Morellet.
L'hypergéométrique et l'hyperfiguratif sont alors réunis dans une même exposition. Les deux artistes avaient un lien avec l'histoire du MAC VAL. Rappelons que l'exposition inaugurale du musée était consacrée à Jacques Monory et l'exposition des 10 ans à François Morellet. Ils représentaient alors deux repères paradigmatiques de la scène française et de l'histoire du musée ; tous les deux, à leur manière, avaient au cœur de leur pratique imaginé différentes manifestations au labyrinthe soit narratif et policier soit mathématique et programmatique et proposé des issues incertaines. Cela ne justifiait pas forcément leur comparaison ni même leur rapprochement. Or c'est une étude universitaire qui conforta cette piste. Celle-ci analysait le sens et la fonction des différentes croix dans l'œuvre de Monory. Elle n'était pas qu'une rature sur une figuration complexe mais également la référence, parfois critique, à l'art construit. La même logique, même si les apparences étaient dissemblables, animait, travaillait et pour prendre un terme cher à François Morellet interférait dans tout système de représentation. Il n'est quasiment pas d'œuvres (celles de François Morellet comme celles de Jacques Monory) dont la logique ne fût pas, plus ou moins discrètement, contre-carrée par le signifiant de la forme géométrique. La croix peut être également traitée comme un élément figuratif purement abstrait, parce que les deux pôles de la représentation reposent sur des conventions. La croix est alors dépouillée de son lien à l'iconographie chrétienne, elle devient une cible (le point d'impact) ou la matérialisation de l'expression idiomatique « faire une croix ». Toute exposition cherche des signes qui lui indiqueraient qu'elle est sur la voie, la bonne et mauvaise voie de relations trop bien pensées afin de réveiller ce qui n'est pas sérieux et prendre le commissaire à son propre jeu : celui d'un « vous n'êtes pas sérieux » presque permanent. Ce signe est envoyé d'on ne sait où par Vera Molnár qui, entre janvier et avril 2023, a décliné dans un livre d'artiste intitulé 100 croix les principales possibilités d'une forme pour résumer une vie ou presque consacrée à l'abstraction. Il est désormais admis que celle-ci ne peut que résulter d'un croisement exactement à l'œuvre dans la présente exposition. Or, au-delà des coïncidences formelles, la comparaison des deux artistes se justifiait car tous les deux avaient réfléchi à la notion « d'accident ». François Morellet le redoute mais il ne peut pas y échapper et même a fini par l'accepter. La recherche de la géométrie, parce que selon ses propres mots on ne peut pas la représenter, ne peut se faire que par accidents. C'est exactement le même rôle que Jacques Monory attribue à ses différentes formes. En paraphrasant Morellet, on ne peut accéder à la figuration que par accident, c'est-à-dire à ce qui justement échappe pour le premier à la géométrie et pour le second à la figuration. C'est ce qui faisait, selon François Morellet, le charme désuet et indémodable de la géométrie et peut-être bien de l'art abstrait tout aussi bien que de la figuration critique et narrative.

Un autre média, qui à lui seul était un signe, rapprochait aussi Monory de Morellet : l'utilisation du néon si possible bleu, couleur désaffectée pour Monory et immatérielle pour Morellet. La lueur des néons, c'est l'interférence des sources lumineuses, son chuintement aussi bien que son possible essoufflement, autrement dit, la poésie de l'intermittence qui fait légèrement vibrer et grésiller ce qui est représenté dans une ambiance d'enseignes lumineuses et de rayons, ceux d'un cercle et de problèmes géométriques insolubles. Rayon, ce terme presque synthétique de géométrie et de roman de science-fiction auquel cette exposition doit un tant soit peu ou, pour parler comme François Morellet, un temps si peu.

Nicolas Surlapierre, directeur du MAC VAL et commissaire de l'exposition

Un événement organisé dans le cadre de la célébration du centenaire de la naissance de l'artiste à l'initiative du Centre Pompidou, de l'Estate et du Fonds de dotation François Morellet.

François Morellet

GGC — 2026-10-19T06:38:16Z

Lamentable, 2006.
Tubes d'argon bleu, dimensions variables.
Exemplaire 3/3.
Collection succession François Morellet.
© Adagp, Paris 2026.
© Studio Morellet.

François Morellet

GGC — 2026-10-19T06:35:41Z

Négatif n°2 (de « Lune et l'autre n°2, 2006), 2008.
Acrylique sur toile sur bois, diam : 150 cm.
Collection succession François Morellet.
© Adagp, Paris 2026.
© Studio Morellet.